Nur wenige Sendungen rechtfertigen den Begriff Kultur so überzeugend wie diese.
Wir haben uns daran gewöhnt, Kultur in Hochglanzprogrammen zu suchen: im Opernhaus, im Schauspiel, im Sinfoniekonzert. Kultur – das klingt nach Abendgarderobe, Eintrittskarte, ehrfürchtigem Schweigen im Saal und Folkloreabend. Doch dieses Bild ist bequem – und einseitig.
Die Kulturzeit wählt seit jeher den unbequemen Weg. Wenn im August die Sommerpause beginnt, vermisse ich nicht nur diesen Weg, sondern auch Cecil Shortman, Vivian Perkovic, Lillian Moschen, Nina Mavis Brunner, Ariane Binder. Sie folgen nicht eingeübten Stilfiguren mit fein angelernten Handbewegungen, sondern dem, was sie für gut und richtig halten – keine allabendliche Prosa. Sie sind Meisterinnen ihres Faches.
Kultur entscheidet sich nicht nur auf den Bühnen, sondern im Alltag: im friedlichen aber auch gewaltbereiten Umgang miteinander, im Widerstand kluger Köpfe gegen Despoten, in jener Toleranz, die Demokratie erst möglich macht. Kultur steckt im Dialekt, den wir sprechen, in den Festen, die wir feiern, in den Geschichten, die wir unseren Kindern erzählen. Sie zeigt sich am gedeckten und ungedeckten Tisch, im Streit ebenso wie im Gespräch, in Literatur, Geschichte, Musik – und nicht zuletzt im Aufbegehren gegen jedweden Dogmatismus und Kulturrevanchismus. Sie steht für Vielfalt und Offenheit.
Und genau das bietet Kulturzeit: Reflexion statt Pose, Vielfalt statt Floskeln. Sie stellt sich quer zu jener Elitekultur nach dem Motto „sehen und gesehen werden“. Eine Sendung, die Haltung zeigt. Denn Kultur ist keine Dekoration und Zurschaustellung von Folklore – sie ist die Verteidigung unserer Freiheit und damit unseres Denkens. Das alles verbinde ich mit der Kulturzeit. Sie lässt mich sehen und hören, was sonst im Stream der Masse unhörbar bleibt.
Es war immer sehr schön zu sehen, wie anders der Abgang um kurz vor 20.00 Uhr gestaltet wurde. Ein kleiner Regie-Gruß, wenn der Verantwortliche für einen kleinen Moment ins Bild trat. Nebensächlich vielleicht, aber erfrischend. Seit einiger Zeit ist diese Geste verschwunden. Gründe mag es geben. Schade bleibt es dennoch.
Die Ausstellung im Rudolf-Stolz-Museum in Sexten öffnet den Blick auf eine der leisen, doch entscheidenden Gegensätzlichkeiten des Daseins: die Spannung zwischen Stille und Lautheit. Dieses Gegensatzpaar reiht sich ein in die großen Polaritäten des Menschseins – Ordnung und Chaos, Körper und Geist, Gut und Böse, Freiheit und Sicherheit. Stille und Klang markieren dabei keine bloßen Gegensätze, sondern Pole eines schwingenden Kontinuums, das unser Leben durchzieht. In ihrer Reibung entfaltet sich Erfahrung: Die Stille gewinnt Bedeutung erst im Widerhall des Lauten, das Laute erhält Tiefe erst im Hintergrund der Stille.
So nähere ich mich der Ausstellung, geleitet von der Frage, was Stille in einer Welt bedeutet, die sich immer mehr ins Laute, ins Sichtbare, ins Mitteilbare drängt. Unwillkürlich tritt Rainer Maria Rilke vor mein inneres Ohr – jener Dichter, der die Stille nicht als bloße Leere verstand, sondern als Raum. Ein Raum des Werdens, der Tiefe, der Gegenwart des Unaussprechlichen.
In seinem Gedicht „Ich fürchte mich so vor der Menschen Wort“ formuliert Rilke eine radikale Skepsis gegenüber einer Sprache, die alles benennt, fixiert, erklärt – und dabei den Zauber der Dinge raubt. Die Sprache, die zu viel weiß, macht die Welt stumm.
„Kein Berg ist ihnen mehr wunderbar.“
So wird die Stille nicht nur zum Gegenpol des Lauten, sondern zum Widerstand gegen das Zuviel an Gewissheit – ein poetischer Schutzraum für das, was sich nicht sagen lässt, aber dennoch da ist.
In diesem Sinne fordert Stille in der Kunst, das Übermaß an Gewissheiten zu streichen. Sie verlangt Zurückhaltung, damit der stille Zauber der Dinge – des Waldes, der Berge, der Menschen – nicht dem Lauten geopfert wird.
Die Bilder in dieser Ausstellung, sei es in der Malerei oder der Fotografie, sind im Rilkeschen Sinne mit wenig Gewissheiten ausgestattet. Sie drängen keine Erklärungen auf, sondern bergen – vielleicht – jenes Lied, das noch ungesungen in den Dingen ruht.
Joseph von Eichendorff schreibt:
„Schläft ein Lied in allen Dingen, die da träumen fort und fort“
Ein poetischer Hinweis darauf, dass der Zugang zu den Geheimnissen der Welt nicht in der bloßen Betrachtung liegt, sondern im Hören, Lauschen, Ahnen.
Nichts schreit, nichts drängt sich auf. Und doch: Unter der glatten Oberfläche von Eduard Angelis Ölbild „Ruhige See“ (2007) pulsiert eine Tiefe, die keine dramatischen Naturgewalten braucht, um spürbar zu werden. In Angelis „Die letzte Glut“ (2014) verschwindet das Licht so leise, dass es mehr im Gefühl als im Bild weiterleuchtet.
Auch Heinz Innerhofers Fotografien – das „Mare Adriatico“ (2023) und die Lärchen im Villgratental (2024) – setzen stillschweigend einen Kontrapunkt zu den lauten, überfüllten Bilderwelten der sozialen Netzwerke.
Innerhofers Wald wirkt stoisch, beinahe abstrakt, Angelis Meer bleibt ruhend im kaltgrauen, düsteren Licht . Sie zwingen uns, anders zu sehen – ohne Eile, ohne das Bedürfnis nach Deutung.
Claude Monet, um einen alten Impressionisten zu zitieren, interessierte sich nicht für die genaue Darstellung von Objekten, sondern für das Wechselspiel zwischen Wahrnehmung und Moment. Für ihn war Sehen ein lebendiger Prozess, kein Erfassen von Fakten. Was zählt, ist nicht die feste Form der Dinge, sondern wie sie sich im Licht verändern – und wie dieser Wandel das Sehen selbst verändert.
„Donata Wenders schenkt ihrer Figur Zeit – „Zeit zum Nachdenken“. Doch was wir sehen, ist kaum mehr als eine Ahnung eines Menschen – still sitzend, in sich gekehrt. Die Gestalt bleibt vage, als hätte sie sich von der Deutlichkeit des Sichtbaren zurückgezogen. Ist es Versunkenheit? Einsamkeit? Oder einfach der Wunsch, für einen Moment nur bei sich zu sein, unbehelligt vom Blick der Welt?“
Im ersten Stock, noch bevor der Besucher in die Bilderwelten eintauchen kann, stellt der Künstler Walter Moroder seine Skulpturen „Dança“ (2022), „Son tlo“ (2024), „Arleve“ (2024) und „Ciol“ (2025) aus. Diese Skulpturen begegnen uns wie stille Erscheinungen. Sie stehen im Raum, und doch scheint es, als wären sie mehr im Inneren als im Außen verankert. Nichts an ihnen schreit nach Aufmerksamkeit. Keine Pose, kein Auftrumpfen, keine Geste, die sich in den Vordergrund drängt. Nur die wachen Augen, unverschnörkelt, aufgeräumt, kontemplativ. Moroder formt Figuren, die von ihrer eigenen Zurückgenommenheit leben – Körper, die nicht darstellen wollen, sondern anwesend sind. Sie tragen ihre Stille in sich, als wäre sie ihre ureigene Substanz. In einer Welt der grellen Bilder, der lauten Oberflächen, wirken sie wie Gegenstimmen: leise, aber von einer Kraft, die aus der Tiefe kommt.“
Die Stille kann Schutzraum sein, in dem das Unsagbare bewahrt wird – ein Raum der inneren Wandlung. Doch sie kann auch zum Gefängnis werden, das isoliert und vereinsamt. Zwischen diesen beiden Polen bewegt sich diese Ausstellung im Rudolf Stolz Museum in Sexten. Die Werke laden ein, Stille nicht als Gegensatz zum Lauten zu verstehen, sondern als eine eigene Sprache: eine Sprache, die sich manchmal als zarte Ahnung offenbart, manchmal als drückendes Schweigen. Sie fragt uns, wie viel Raum wir in unserem Leben dem Unausgesprochenen geben. Und ob wir bereit sind, zu hören, was nur in der Stille zu uns spricht.
Es gibt Menschen, für die Stille kein selbstgewählter Rückzugsort ist, sondern ein Gefängnis. Die Fotoreihe von Brent Stirton zeigt eindrücklich das Leben von Betroffenen des Chronischen Fatigue-Syndroms – Menschen, die im eigenen Körper eingeschlossen sind, als hätte sich die Stille wie eine unsichtbare Wand um sie gelegt. Ihre Stille ist kein Raum der Sammlung, sondern der Ohnmacht. Die Bilder erzählen von einem Dasein, das nicht laut werden kann und darf.
Lois Anvidalfarei zeigt am Aufgang zur Ausstellung in seiner Skulptur „In sich“ einen liegenden Mann – zusammengerollt – so als wolle er sich der Welt entziehen. Ist es Angst, Verzweiflung, Hilflosigkeit oder ist es einfach nur der Rückzug aus der Welt?
Anvidalfareis Skulptur hält uns einen Spiegel vor. Ebenso tun dies Thaddäus Salchers „Stimme des Herzens“ und Walter Nagls „Sitzende mit aufgestütztem Kopf“. Sie zeigen uns nicht die Welt, sondern unsere eigene Reaktion auf sie. „Du siehst aus, wie ich mich fühle“* Ich spüre meine Gefühle, meine Fragen, meine Ohnmacht, meine Gegenwart und meine Vergangenheit, meine Ängste und meine Verzweiflung. Im Spiegelbild der Kunst beginne ich, die Welt und mich selbst zu begreifen.
Die akkurat bis ins Detail durchkomponierte Ausstellung im Rudolf Stolz Museum wird kuratiert von Hermann Rogger, Johannes Watschinger, Karl Mayr und ist bis zum 5.10.25 im Rudolf Stolz Museum Sexten zu besichtigen. Prädikat: Besonders Sehenswert
*“Die Zeit“, in der Rubrik „Entdecken“
Gedanken von Hansjörg Rogger zur Ausstellung „Stille-Silence“ im Rudolf Stolz Museum Sexten vom 29.6.25 bis 5.10.25
„In sich“ von Lois Anvidalfarei, Bronze, 2014
Heinz Innerhofer, Lärchen im Villgratental, 2023, Fotodruck auf Dibond
Walter Moroder, Son tlo, 2024, Zirbelkiefer, Glas, Acryl
„Sie bleibt eine der wenigen Plattformen im deutschsprachigen Fernsehen, die Kultur nicht als oberflächliches Entertainment, sondern als essentiellen Bestandteil gesellschaftlicher Diskurse behandelt.“ Ich wiederhole das, was mir vor einer Minute mein ChatCPT auf meine Frage hin gesagt hat. Und ich möchte noch ergänzen:
Kultur als Inbegriff unseres Lebens, als Inbegriff von Werten, als soziale Kultur, als Literatur, Kunst, Theater, Musik, Film und Inbegriff von Ausgestaltung individueller und kollektiver Erfahrungen.
Kultur als Widerstand gegen geopolitische Machtexzesse, als Fingerzeig gegen Tendenzen, liberale Ordnungssysteme zu untergraben, Kultur als Aufzeigen von Vielfalt, als Bühne, gesellschaftliche Phänomene ästhetisch zu verarbeiten,
ChatCPT bringt es wohl noch einmal auf den Punkt: „Die Abschaltung von 3sat und “Kulturzeit” wäre ein Einschnitt, der nicht nur die mediale Vielfalt und kulturelle Bildung bedrohen würde, sondern auch den Diskurs über Kunst, Gesellschaft und Politik verarmen ließe. Kulturformate wie diese leisten einen unverzichtbaren Beitrag zur Demokratie, da sie den öffentlichen Dialog fördern und eine kritische Auseinandersetzung mit unserer Welt unterstützen.“
Ich habe es bereits in meiner ersten Stellungnahme in einem Brief an das ZDF und die ARD gesagt: Tun Sie das nicht, und geben Sie dem anspruchsvollen Fernsehen weiterhin den Sendeplatz. Sonst verlieren wir einen der wichtigsten Promotoren und Verfechter demokratisch/liberaler Gesinnungen.
Als ich das Auditorium betrat, war ich erstmals überrascht. Zusätzliche Stühle waren notwendig geworden. Dann kam mir das Jahr 2014 in den Sinn. Ganz unvermittelt. Aber was hat 2014 mit dem 6.6.2024 zu tun? Zehn Jahre sind vergangen, als ich am 26.Juni 2014 in einem öffentlich gemachten Blogg beklagte, dass die Heimatgemeinde Sexten, Gatterer (wieder) emigrieren lies. Seit nun schon sechs Jahren ist alles wieder anders. Gatterer ist wieder zurück. Das Gefühl für den großen Mann erlebte in den vergangenen sechs Jahren eine zweifache Renaissance.
Vom empathischen Kulturunternehmergeist spricht Teresa Indjein, österreichische Botschafterin in Rom und meint die Organisatoren um Hermann Rogger. Nebenbei erwähnt sie Italiens Stolz auf die Nummer eins der Tenniswelt. Das mentale Sportwunder mit der hübschen Stirnlocke, wie sie es umschreibt. Heute aber steht Gatterers Erbe vornean. Das Kulturhighlight in der schönen Welt, dessen Narrativ es seit Jahrzehnten versteht, die Fremden herzuholen.
„Ich glaube der große Journalist Claus Gatterer wäre heute sehr zufrieden, hier zu sein. Er würde aufgeschlossen interessiert das jugendliche Potential sehen.“ Teresa Indjein. Und zugewandt an die teilnehmenden jungen Leute am Schülerpreis „Claus“: „Alle können nicht an den ersten Platz gestellt werden, aber sie haben – alle Einreichungen gesamthaft betrachtet – im unbewussten Ensemble ein Gesamtkunstwerk geschaffen.“
„Mit Mitgefühl, dem rettendsten aller Gefühle“, so sagt es die Botschafterin, sind die 14 an ihre Arbeit gegangen. „Es ist das Sensorium der Verletzlichkeit, das die 14 Beiträge miteinander verbindet. …. Gut gemachte Beitäge, relevante Fragen. Bravo Südtiroler Jugend.“ Sagt die Botschafterin. Und ich füge hinzu: Anderswo, wo es um politische Entscheidungen geht, hört man ihnen nicht so gerne zu.
Der Siegerbeitrag stellt die Frage, wie es zum Selbstbewussten der Südtiroler kommen konnte. Der Autor Jannik Brugger, Schüler der TFO Bruneck, schlägt einen Perspektivwechsel vor. „Ist dieser Stolz tatsächlich gerechtfertigt?“ Fragen des Preisträgers. Wie steht es mit der Selbstwahrnehmung der Südtiroler? Was macht es mit den Einheimischen, die gewollt oder ungewollt mit dem Narrativ „schönstes Land der Welt“ jahrein, jahraus zu leben haben?
Es ist der Verdienst einzelner Schulleute, gemeinsam mit den Organisatoren und Mentoren für eine kreative Jugendkultur, dies den jungen Leuten zu ermöglichen. Wertvolleres kann es kaum geben, als dass man der Jugend Räume auftut, damit sie sagen kann, was zu sagen ist.
Was hätte uns heute Claus Gatterer zu sagen? Andreas Pfeifer, Auslandskorrespondent beim ORF stellt diese Frage. Gibt es ein Vermächtnis? Gibt es so etwas über das jährliche Gedenken hinaus? Was würde uns Gatterer über die faschistoiden Russenimperatoren sagen? Er, der er immer wieder Recht und Gerechtigkeit auszubalancieren trachtete? Er, der sich auf der Seite der Schwächeren sah? Er, der es wahrscheinlich oft nicht aushalten konnte, was so ablief in dieser schönen Welt, die oft genug doch nicht allzu schön dasteht? Der allzu frühe Tod legt Zeugnis ab. Er legte die Finger in die Wunden, ausnahmslos, er wurde aus dem Dorf hinausdrangsaliert und blieb trotzdem Mahner. Solche Mahner gehen uns heute langsam verloren. „Wir gleiten ab in die kollektive Demenz“, schreibt der bulgarische Autor Georgi Gospodinov. Es gibt nur noch wenige, die ein lebendiges Gedächtnis als Zeugen besitzen. „Beginnt das Feuer des Gedächtnisses auszugehen, kommt das Rudel der Vergangenheit immer näher.“
„Macht am Brenner das Gatter zu, damit der Gatterer nicht mehr hereinkommt.“ verlangte damals Karl Felder, der Autor von „Wohl ist die Welt so groß und weit und voller…..“ man weiß, dass jetzt nur Sonnenschein folgt.
Und Gott sei Dank vor sechs Jahren wurde Gatterer wiederbelebt. Andreas Pfeifer hat das zentrale Anliegen Gatterers auf den Punkt gebracht und aus der Gedenketage-Routine herausgeschält. Er hat Gatterer in das Hier und Jetzt geholt. Fake News, soziale Medien, Lüge als politisches Programm, Brexit, Krieg. Sein Teleobjektiv gibt es nicht mehr. 1984 wurde es abgesetzt. Zu viele Widerstände. Zu viele Wahrheiten. Zu vieles, was weh getan hat.
Vor 100 Jahren ist er geboren. Was sagt uns der Mann, dessen Namen damals hier bei uns nicht sonderlich geschätzt war? Was sind heute seine Worte wert? Sind sie noch etwas wert oder endlich was wert oder nur als Mäntelchen dafür geeignet, dass das Tourismusdorf auch so etwas wie Kultur vorzuzeigen habe? Gut geeignet sich neben der Folklore und den Bergen auch kulturhistorisch seinen Standpunkt zu sichern? „Jede einfache Wahrheit ist des Teufels“ schrieb Gatterer. Sein Drang nach Wahrheiten und wie sein Land und sein Dorf damit umgegangen sind, muss Teil des Gedenkens an Gatterer sein. Denn wenn Vergangenheiten nicht vergessen werden dürfen, dann ist das wohl das Denken Gatterers, das abseits von heimatlichen Heroisierungsversuchen und den Superlativen im Marketing, Beachtung finden muss. Alles andere wäre Heuchelei.
„Im Zeitalter der Digitalisierung kämpft der Journalismus nicht nur gegen Parteipotentate und Medienfürsten, sondern kämpft gegen seine galoppierend fortschreitende Bedeutungslosigkeit……“. (Andreas Pfeifer) Und ganz am Schluss: „Meine Empfehlung: Lesen Sie Claus Gatterer. Irgendwo da draußen gibt es die schöne Welt ja immer noch. Und die bösen Leut, (Pause) die auch.“ Ich hätte noch eine ganze Weile zuhören können.
Barbara Bachmann ist die diesjährige Gattererpreisträgerin. In Gedenken an Claus Gatterer. Sie erzählt von ihrem eigenen Kind, das starb, bevor es auf die Welt kam. „Barbara Bachmann holt den Tod dorthin, wohin er hingehört. Ins Leben.“ Kurt Langbein in der Laudatio für Barbara Bachmann.
Für die ummauerte Sicherheit von Waydown geben die Arbeiter ihre letzten Kräfte. „Why we build the Wall?“, heißt das Lied. Die Frage, die die Arbeiter aufwerfen, beantworten sie sehr energisch und unmissverständlich: „We build the wall to keep us free.“ „Wir bauen die Mauer, damit wir frei sein können.“
Die Mauer verspricht Sicherheit, schützt sie doch vor den anderen, vor denen, die scheinbar nicht dazu gehören. „Working on the wall with all your might“, Eurydikes fatales Bündnis mit dem Teufel: „Ich habe getan, was ich tun musste“ sagt Eurydike. Und am Ende wird sie diesen Schritt bereuen. Aber zu spät. Eurydike hat der Verführung nicht standgehalten. Die Armut treibt sie ins Verderben.
Ein herausforderndes Spiel mit einer suggestiv wirkenden Musik auf einer aufwendig gestalteten Bühne. Die Musikklasse der 5am im Team mit 60 Leuten hat ein engagiertes vom Anfang bis zum Ende durchchoreographiertes Broadway Stück auf die Bühne gebracht. Die Choreographie ist nicht in die Geschichte hineingesetzt – sie ist die Geschichte selbst. Keine einfache zudem, mit der man sich im Sessel genüsslich berieseln lassen kann. Angelehnt an den Mythos von Orpheus und Eurydike, werden Probleme unserer Zeit, verpackt in Folk- Blues- und Jazzmusik, dem Zuschauer einiges abverlangen. Die Musik – eine Gewaltanstrengung für das Team. Auch sie ist die Geschichte selbst. Sie führt hinauf in die Sphären der Freiheit und Liebe und hinunter in die düstere Welt des Abgrunds, der Vernichtung, des Machtmissbrauchs, der Blender und Verschwörer.
Orpheus – Künstler, Poet und Musiker – will mit seiner Musik auch jene gewinnen, die der Dunkelheit verfallen sind. Er singt und spielt und betört die Menschen, auch Eurydike. Wer möchte nicht wie Orpheus singen, dem es einst gelang, selbst Bäume zum Weinen zu bringen mit seinem Gesang: „Alle Bäume werden mitsingen und ihre Äste werden sich herunterneigen und ihre Früchte um meine Füße legen…“ Eurydike kann es kaum erwarten – ihre Liebe erwacht: „Liebster Orpheus sag mir, wann es soweit ist.“ „Wenn ich mein Lied singe, wird es soweit sein. When I sing my song, all the riversˋll sing along…“ entgegnet Orpheus. Eine tiefe Liebe, doch der Hunger nagt und treibt sie ins Elend. Um der Not zu entweichen, hängt sich Eurydike an jeden Strohhalm, an verlockende Versprechungen.
Eurydike, getrieben von Not und Entbehrung, geht trotz der Liebe zu Orpheus, dorhin, wo Dunkelheit herrscht – Kälte, Gewalt und Unfreiheit. Verführt, gelockt, missbraucht. „Eurydike!“ ruft Orpheus. „Wo ist sie?“ Hermes: „Bruder, was kümmert’s dich, du wirst eine andere Muse finden.“ Aber Orpheus will zu Eurydike, ganz unbedingt. „Warte auf mich, ich komme, ich komme mit dir, warte, warte, warte.“
Ein Sturm zieht auf, und Orpheus schreibt an seinem Lied. „Ok, beende das Lied“ sagt Eurydike, „we need food, finish it quick. The wind is changin. There’s a storm coming.“ und Hermes, der Erzähler: „Poor Boy, working on a Song.“ Kunst und Liebe sind scheinbar schwache Gegner im Kampf gegen Niedertracht und Hass. Orpheus verliert. Das bittere Ende naht. Eurydikes Zuruf: „Bring mich heim!“ scheitert.
Bedrückend eindrucksvoll gespielt ist die Szene in der Orpheus in der Unterwelt geschlagen und getreten wird. Beklemmend nah choreographiert. Es geschieht dies alles hier und jetzt – in der Ukraine, in Syrien – nur zwei Beispiele von vielen. Orpheus, der Hoffnungsträger, hat hier nichts zu suchen. Die andre Welt will Vernichtung, Repression, Züchtigung, Verlogenheit, Macht und Unterwerfung, Befehle und erzwungene Loyalität, sonst nichts. Veränderer sind unerwünscht und gefährlich. Sie bringen das System ins Wanken. Waydown ist von hier aus nur einige tausend Kilometer entfernt. Dort wo die Mächtigen tun und lassen, was sie wollen und wozu sie grad eben Lust haben.
Choreographie und Inszenierung: Karin Mairhofer, Alex Messner / Musikalische Leitung: Ruth Burchia, Simon Mittermair / Audioregie: Peter Paul Hofmann / Lichtregie: Elch / Als Vorlage: „Hadestown“ von Anaïs Mitchell
Hansjörg Rogger, Februar 2024, Musical des SOWI GymnasiumsFoto:HjR
gehe ich den Weg hinauf. Kühl ist es. Auf halbem Weg eine Kurznachricht von CNN: „Russian opposition leader Alexey Navalny is facing an even longer stint in jail after being sentenced to 19 years in prison on extremism charges.“ Ich bleibe stehn, der Zorn drückt sich in meine Brust hinein. Wut vermischt sich mit Traurigkeit.
„Wir haben keine andre Zeit als diese“, schrieb Mascha Kaléko. Ich habe keine andre Zeit als diese. Deshalb muss ich weitergehen – dorthin wo es mich hintreibt – trotz des Leids nicht weit von hier entfernt. Ich bin ein Kind der 50er Jahre, voller unhinterfragter Hoffnung. Und nun? „Wir kamen еinst mit Kindesgläubigkeit in ein vom Sturm verwüstetes Jahrhundert. Einst hofften wir und nun schweigt’s in uns verwundert……“ Mascha Kaléko.
Das Regime in Russland malträtiert alles, was ihm in die Quere kommt und frisst sich an der Ukraine satt. Gedanken hinauf zum Schloss. Hier darf man frei gehen, frei denken, frei fühlen. Nur ein paar tausend Kilometer entfernt, stirbt man dafür.
Ich gehe über die Brücke. Alles ist fest, geordnet, schön, unaufdringlich und friedlich. Ich wische weg, was mich zernagt, zornig und nicht selten ungerecht macht. Ich bin gespannt auf das alte Gemäuer, auf „because we believe”, auf Frederic Chopins “nocturne”, auf Lucio Dalla, auf Ennio Morricones “you’re still you”. Vielleicht auch wieder “I think to myself what a wonderful world”. Zögerliche Freude, während man zur gleichen Zeit um das Leben von Maria Kolesnikowa bangt. In Belarus vom faschistischen Terrordespoten weggesperrt. In vielen Teilen unserer Welt in Syrien, Ukraine usw. usw. gibt es diese wunderbare Welt nicht mehr. Ist es gut, sich eine wunderbare Welt herzuwünschen? So wie sie jetzt unter meinen Füßen hält und immer wieder hält? Ja, sag ich mir!
Schloss Welsperg – gebaut von Männern, wie sie Bert Brecht in den Fragen eines lesenden Arbeiters beschrieben hat. Beauftragt von adelsmächtigen Geldgebern. Die Stube – uralter Boden, dicke Mauern, tausende Male betreten und berührt, und ich sitze da, lausche der Meditation von Jules Massenet und dann Errol Gardners “Misty. Die Narben im Boden, der Geruch, die schwere Tür mit den schweren Beschlägen und „you‘ll never walk alone „ von Rogers und Hammerstein, „Merci“ von Jürgens, „Den unmöglichen Traum träumen“ von Leigh und Darion. Die Geige, das Klavier – die Resonanz im dicken Gemäuer. Neues trifft auf Altes – ein Widerspruch? Nein!
„At the end of a storm, There’s a golden sky, And the sweet silver song of a lark.“ Tausende hören diese Lerche nie mehr. Ich sitze auf den jahrhundertealten zerfurchten Holzdielen. Ich denke an den goldenen Horizont, die liebevoll gepflegten alten Stuben, die Seele, die dieses Schloss umgibt und an die Lieder von Halma.
„Sognamo un mondo senza più violenza Un mondo di giustizia e di speranza Ognuno dia la mano al suo vicino Simbolo di pace e di fraternità…” Trio Halma singt und spielt es in den Saal hinein – kraftvoll, engagiert, behutsam. Chopin, Bocelli, Lucio Dalla, Andersson – das Publikum reagiert kraftvoll zurück und spaziert emotional aufgeladen und friedvoll nach Hause – über die Brücke hinunter auf den Schlossweg. Die Kuratorin Brunhilde Rossi weiß, wovon sie spricht, sie sieht und spürt es in unseren Augen, an unserer Ruhe, an unserer unaufgeregten Zufriedenheit.
„Lead us to a place, Guide us with your grace, To a place where we’ll be safe – Führe uns an einen Ort, führe uns mit deiner Gnade, an einen Ort, an dem wir sicher sind.“ (The Prayer) “What a wonderful world” ganz am Schluss als Zugabe. Halma interpretiert Louis Armstrong. „I hear babies cry, I watch them grow…I see friends shaking hands, saying how do you do?……” Das Herz blüht auf und sinkt wieder in sich zusammen.
Johann Georg (Hansjörg) Rogger. Johann.rogger@me.com
„Wie lernen wir miteinander zu leben?“ fragt sich der Philosoph Hans Martin Schönherr-Mann. In Claus Gatterers historischen und publizistischen Arbeiten stand diese Frage im Vordergrund. Es war sogar eine seiner Lieblingsfragen. Akademische Antworten gefielen ihm nicht. Er antwortete dialektisch, nicht besserwisserisch, nicht lehrmeisterhaft. Seine Antworten waren eigentlich erneute Fragen. Und Gatterer hörte genau auf das, was geantwortet wurde. Er hörte auf das Innere der Antworten, auf die feinen Nuancen; nicht das Reißerische war ihm wichtig, nicht das Laute, das Sensationelle, nicht das Krawallische. Überhaupt war er nicht der Laute. Er hat die leisen Töne, die leisen verborgenen Schmerzen, die Ängste und Ungerechtigkeiten vernommen. Er wollte, dass sie gehört werden. Und er spiegelte die nicht gern gehörten dunklen Seiten der Gesellschaft in eben diese Gesellschaft wieder zurück.
Veränderungsperspektiven waren sein Anliegen. Gatterers Intention war es, durch seine Sozialreportagen draußen in der Gesellschaft etwas zu bewirken. Und solche Resonanzen gab es zuhauf. Der Anschein, dass es in den 70ern allen gut gegangen sei, zerbröselte unter der feinen publizistischen Lupe Claus Gatterers. Gatterer schaute genauer drauf und stellte fest, dass es gar nicht wenige gab, die an den Rändern der Gesellschaft kein so tolles Leben hatten. Als Historiker schreibt Gatterer in „Der schwierige Weg zueinander“ in Aufsätze und Reden, S. 351: „Man verachtete einander, weil man sich nicht kannte.“ Dabei bezog sich Gatterer auf das schwierige Verhältnis von Südtirolern und Italienern.
Seit den 80er Jahren hat sich in dem schwierigen Verhältnis einiges getan. Zum Guten hin, so wie es sich dies auch Gatterer vorstellen konnte. Historiker und Mahner auf der einen Seite – Fürsprecher für die Schwachen auf der anderen Seite. Gatterers Teleobjektiv-Sendungen legten die Finger in jene Wunden, die erst viel später, wir erinnern uns an die Aufdeckungen der Missbrauchsskandale, massiv aufgebrochen waren. Menschlichkeit, Menschenrecht und Menschenwürde waren für Gatterer so was wie Leitideen, die seine Arbeit charakterisiert hatten. – Das Aufbrechen von Scheinkulturen, das Hinterfragen von verkrusteten Strukturen, das Hinhören auf soziale Randgruppen. – Und das alles sehr behutsam, ohne Skandalisierungen, ohne Sensationsgier, ohne Lust am Leiden anderer.
Gatterer liebte den Diskurs. Gatterers Fingerzeig auf das, was er für Unrecht hielt, tat damals in den 70ern und 80ern jenen sehr weh, die in den alten undurchsichtigen Machtstrukturen weitermachen wollten. Es war ungewohnt, und in gewissem Sinne war es der Fingerzeig in eine sich verändernde Zeit. Die Denkweise, sich in andere Menschen, in die Randgruppen, in die Schwachen hineinzuversetzen schwappte ins Fernsehformat über. Das „Teleobjektiv“ wurde vorhin genannt. Etwas völlig Neues, Ungewohntes. Bis es 1984 abgesetzt wurde.
„Der Mensch soll aus sich heraustreten und sich in andere Menschen hineinversetzen, dann wüsste jeder von selbst, wie er sich zu verhalten habe.“ – Immanuel Kants „Kategorischer Imperativ“.- Genauso hielt es Gatterer. Maßstäbe für gerechtes Handeln zu finden, das war seine Maxime. Gatterer wollte auch weg von der Opferrolle und hinein in ein differenziertes Verständnis von Zusammenleben. Der Philosoph Jürgen Habermas spricht von der Diskursethik: „Jeder höre dem andern zu“. Claus Gatterer hat dies konsequent umgesetzt. – Ein Mittel zur Lösung von Problemstellungen in Politik, Wirtschaft und Gesellschaft: Herrschaftsfreier Diskurs mit Aufdeckung von Machtmissbräuchen ohne Zorn und versteinertem Hass, aber Bekenntnis zu dem, wofür man steht und, wo man sich beheimatet fühlt mit gleichzeitigem Verständnis für das Andere und die anderen.- Also weg von dem „mir san mir“, weg von verkorksten Nationalismen.
„Herrschaftsfreier Diskurs verlangt“, so Schönherr-Mann „dass man den Andersdenkenden zunächst einmal akzeptiert und ihm auch einen Raum für Kommunikation öffnet.“ In dieser Denkweise fand sich Claus Gatterer wieder. Aufbruch konservativer Denkformen, die Stimme auch jenen geben, die sonst keiner hört, im Zweifel bei den Schwachen. Diese Handlungsmaximen führten dann zu den gesellschaftlichen Eruptionen, wie wir sie lange nach Claus Gatterer erleben mussten: Die, die fast schon als Götter gehandelt wurden, in Politik, Kirche, Erziehungsheimen, Schulen, Konzernen entpuppten sich als die, die gegen das Leben verstießen. Die vermeintlichen Götter entpuppten sich oft als die falschen Götter. Der Psychoanalytiker Arno Gruen sprach 1991 von solchen „falschen Göttern“. Misshandlungstragödien noch und nöcher. Bis jemand kam und sagte: Moment mal, so geht das nicht; moment mal, da gibt es die hilflos Ausgelieferten; moment mal, da gibt es die, die furchtbar leiden. Und was ist mit jenen, denen man ihre lebenslange Liebesfähigkeit geraubt hat?, mit den misshandelten Kindern?, mit den gedemütigten Frauen? Und Claus Gatterer hat diesen Menschen damals schon eine Stimme gegeben.
Auch als Historiker hat er jenen eine Stimme gegeben, die über das einfache schwarz-weiße Denkschema hinausdenken wollten. Die einen wollten uns Südtiroler von den Italienern trennen „Je besser wir trennen, desto besser verstehen wir uns“. Gatterers Vision war eine ganz andere. Den herrschaftsfreien Diskurs gab es noch nicht. Claus Gatterer hat ihn, wie viele andere auch, gewagt. Man hat’s ihm übel genommen: Nestbeschmutzer usw. usw. Hergebrachte Strukturen hat Gatterer dermaßen erschüttert, dass er in unserem Land nicht mehr gerne gesehen war. – „Schöne Welt – böse Leut“ – 1984 wurde sein „Teleobjektiv“ abgesetzt – 1984 starb Claus Gatterer.
1985 wurde vom Österreichischen Journalistenclub der Claus Gatterer Preis ins Leben gerufen, mit dem seither jährlich herausragende journalistische Arbeiten ausgezeichnet werden. Seit 2018 gibt es den Schülerpreis für journalistisches Arbeiten, den „Claus“. 2019 wurden zum ersten Mal Arbeiten von Schüler*innen eingereicht und bewertet.
Johann Georg alias Hansjörg Rogger, veröffentlicht in „Kulturelemente“, Hrsg. Distelvereinigung/2020
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